她喜欢从美术史、大众影像中获取灵感，蒙娜丽莎、戴珍珠耳环的少女、弗里达·卡罗……
一个个经典的形象，都被她转变为超扁平风格的画作。
张心一创作时会考虑作品的传播路径，她曾经用Emoji表情，创作了一组表情包版“山海经异兽”，还将“中老年表情包”的形象提取出来，成为网络爆款，被90后、00后疯转，引起争议，不少人评论：“丑哭了”、“这也是能算是一个艺术家吗？”
对于这些质疑，张心一却并不介意。
不工作时的张心一，形容自己是一个极度社恐的人，她喜欢看综艺、看直播，也喜欢冷静地观察世界，常坐在热闹的咖啡馆角落，观察周边人们的一举一动。
张心一说：“许多艺术家的创作通常源于自身经历，我却更喜欢总结大众关注的是什么；
艺术对我来说是挑战和冒险，坚持自己的风格，好的作品总会有观众。”
1987年出生的张心一，大学的时候就来到了北京生活。她本科先是在戏剧学院念舞台美术专业，毕业之后，做了两三年的广告、设计，之后又去中央美术学院念了研究生与博士，师从大艺术家徐冰。
作为85后，她从小就受到动画、广告、大众流行文化的影响。初中刚有电脑的时候，大家还在热衷于用它来QQ聊天或者打游戏时，张心一已经开始思考，应该怎么用电脑画画。
平时，张心一喜欢穿着高饱和度的衣服来展现自己的生命力，她的画作也跟本人如出一辙，都拥有非常鲜亮的饱和度。
但张心一却说：“我的作品看似鲜艳，却有一种诱惑，吸引人不断去注意，会在眼前形成一种强烈的视觉反差。扁平化后的美术史，提示出人们对经典知识的态度，我想让大众重新了解它。”
把《蒙娜丽莎》变成Hello Kitty的样子
我的父母并不是艺术工作者，但小的时候，我们家的每个房间都摆放了很多与美术史相关的装饰品，比如说《蒙娜丽莎》的瓷盘，从挂历中剪下来的毕加索、安格尔、罗塞蒂的画作。虽然我并不知道这些艺术品背后的故事，但或许是这样的环境对我产生了潜移默化的影响，从小就拿起画笔开始画画。
我真正开始根据美术史来创作，是源于我对“Icon”这个词的好奇。“Icon”这个词，最早在中世纪代表了教堂的宗教、圣像绘画。现在，它又代表电脑、手机中使用的图标，这个词的双关性代表它似乎是一个可以连接历史与当下的词汇。
大概在2014年左右，当时手机界面风格由拟物变为扁平，这似乎预示着一种互联网审美风格的转变。我认为这或许是因为在网络中，图片的质量越小，传播速度越快，生命力就越强。
正巧我当时在一本书中了解到了Hello Kitty的历史，她出生在英国却风靡日本，最后成为全球女孩为之疯狂的可爱形象。虽然只有两只眼睛和鼻子，没有嘴巴，但却给人很酷的感觉。这让我马上联想到在美术史经典绘画中最受欢迎的女性形象—蒙娜丽莎。
她神秘面部的表情与Hello Kitty如出一辙，并暗含着巨大的图像能量。于是，我的第一个作品就是解构蒙娜丽莎，并且起名叫“Hello, Mona!”
“不断被自媒体转载后，我变成了扁平’大师’”
创作“美术史”这个系列的时候，我会先在搜索引擎中进行搜索，看看哪些世界名画的点击量最多，或者传播率最广，相当于是把选择权交给了大众。
因为每个人对于美术史的认识可能都不太一样，但通过这个方式，能够综合大部分人对美术史的熟悉与认知程度。
搜索结果最多的，毫无悬念是文艺复兴时期，达芬奇创作的《蒙娜丽莎》，它反映了当时人们对于女性美的审美理念与追求。
其次，则是法国写实与印象派画家爱德华·马奈于1863年创作的《草地上的午餐》。其实这幅作品也是挪用了莱蒙特的《帕里斯的审判》的形象，但在马奈的笔下，一位赤身的女子与两个衣冠楚楚的男子，一起在草地上午餐。这在当时也是一个极具争议的作品，如此戏剧性的场景，即使现在看到这幅画，还能感受到它的挑战与前卫性。
年除此之外，还有德拉克洛瓦的《自由领导人民》、安格尔的《大宫女》、波提切利的《维纳斯的诞生》、马奈的《奥林匹亚》，这些作品在图像的繁衍进程中，不断被消费并生成新的图像。
在选定好适合的作品之后，我会在iPad上勾勒出大体轮廓，找出每个人物之间的关系、几何结构、以及图像本身的形式美感。
之后进行重新上色。改变原作给人带来的感受，生成一张有陌生感的全新图像。
这种陌生感对我来说是宝贵的，有点像人们面对经典知识的一种态度，似曾相识，却无法匹配原来的情景。
在尝试了多种配色方案之后，我将确定的图像效果重新导入电脑，做大量的几何辅助线，通过不断地几何圆形切角，达到不能再简化但又具有识别性的符号图形，一个icon就生成了。
“挪用”是当代艺术创作的惯常手法，这种扁平化创作方式，指涉的是图像消费以及大众对于古老的认知方式。我们总是很粗略、很线条性地对经典进行解读。但它背后的故事，弱微的细节，总是一眼掠过。脑海中已经形成不了什么清晰的影像了。
当然这并不能覆盖当我第一次看到经典作品的那种震撼，在一幅现实主义绘画的原作的丰富细节中，隐藏着巨大的信息量，以致于可以阅读许久。
我所要表达的，正是这些细节被忽视、被抹杀的遗憾。比如《戴珍珠耳环的少女》，这幅画最吸引我的不仅是珍珠上微弱的光，画中女孩目之所及形成了一个特殊的场域，让现场的观众可以瞬间安静下来。
因为我创作了很多美术史中的形象，甚至在网上搜图时，会看到自己的作品夹杂在其中。
更有趣的是，由于我早期的一套作品命名为《扁平的大师》，我的名字也总与“大师”同时出现。不知何时，在不断被自媒体加工、转载之后，我居然就变成了那个 “扁平大师”，令人啼笑皆非。
恰当又自然的表情包，代表了年轻人的世界观
我对图像是非常敏感的，当下什么样的图像最流行，每天使用的频率最高？一个答案呼之欲出：表情包。最初研究表情包是因为硕士论文的选题，Emoji的符号性、文字性，它是否会成为一种全球通用的语言，它会不会成为新的“巴别塔”这些问题都吸引我深入研究。
比如社交软件中的“斗图大战”，大家会纷纷拿出自己的存货、宝藏图、王炸图，在这过程中会感觉到惊喜、幽默，也是一种放松。
2018前两年流行一种很有趣的表情包风格，我们把它戏称为“中老年”表情包，其中最经典、最广为传播的是干杯的那个形象，图中的女士优雅的端起酒杯的仪式感与现实的插科打诨相互抵牾，产生了幽默和荒诞的意味。这张图可能拍摄于二十年前，后被人渐渐遗忘，但是却在今天重获新生。
表情符号不仅有很强的文字属性，同时我们可以把它视为在社交网络中人的替身。两个人在进行长时间的聊天之后，相互之间已经没有话可说，可以发一个表情作为结束，恰当又自然。
《山海经》把零星的世界知识拼凑起来，形成一幅地图，这是古老民族认识世界的方法。尤其是山海经异兽图中的形象，或许是曾经真实存在的生物，但很多是符号拼贴而成，承载着对广阔世界的想象。
这就好像现代人用Emoji对话，不喜欢用确切的文字，而用图像作为语言表达，来创造更大的想象空间。我想这与山海经中的符号化模式有很多相似之处，或者说是年轻激进者为之狂欢的新的世界观。于是，Emoji又变成了一个过去与现在的连接点。
这组作品做完之后，我很难将它归类，它更像是一种图示，提示我们也许从更多的角度来看Emoji这个事情。于是我先将它发布到了网上。先是被设计、艺术类的公众号转载。
之后，民生类、地方性的报纸也开始转载起来，随着越来越多的转载，质疑也多了起来，有不少人看到这组作品之后评论道：”这也是作品吗？想表达什么？“、“这作品太丑，丑哭了！”、“现在当艺术家的门槛也太低了！”
其实，我在发布这组作品之前，已经想到了这样的可能性。因为“Emoji”与“山海经”两个大Ip的词在一起，就有足够的吸引力让人想点击。但看到这些争议，似乎达到了我想要的效果。我想知道什么样的图像是能够被大众接受的，背后有怎样的规律。
均为迪奥高级成衣除了做Emoji拼贴这样的创作方式，我还想到利用表情包的“替身”功能做一个“微信剧场”。疫情之下，每个人都在等待疫情结束的那一天，然而希望迟迟不来，就像是在等待戈多。于是，我创作了一场发生在手机中的《等待戈多》。
在原剧中的两个主人公，弗拉迪米尔和埃斯特拉贡，简称为GG与DD。他们的扮演者是两个表情包形象，蘑菇头与熊猫头，同样也是我使用搜索引擎得到的结果。我没有故意设计表情包中的内容，而是选择我能找到的“野生”表情包，以获得得最大程度的共情。
蘑菇头与熊猫头一人一句的抛梗、呓语、吐槽，这种无效的对话与《等待戈多》的原文一般荒诞，最终结果归于虚无。这个展览的题目“等待戈多巴胺”特别符合当下的情绪，一边胡言乱语地吁叹这个世界的坏，又疯狂制造多巴胺来美化这个世界的好。
这次展览里面，我还做了一些陶罐。起初是我想表达手机如同狂舞的蛇一样诱惑我们进入一个“罐子”，后来又发现新石器时代的马家窑彩陶上的纹样和图腾十分精美，在全世界还没有联通起来的时候，那些象征着生殖崇拜的蛙形纹便已是一种国际通用的符号了，就像是颜文字，一个简单的：），能让不同文化背景、语言的人们理解。
我去甘肃找到复原彩陶技术的师傅，与他合作完成这一系列作品，传统图腾混杂了颜文字和网络缩写，比如yyds，我都画在了罐体上。
怪诞女孩的人间观察
如果说有一种创作方式是艺术家通用的，我想那应该就是观察。小时候特别喜欢看各种各样的电视广告、杂志、海报。我习惯于先去接受大量的信息，再处理，找共性。
不工作的时候，我喜欢去人多繁华的地方，去咖啡馆。假装自己在工作，其实在偷偷观察别人在聊些什么？大家在传播、关注什么？而且在那种地方感官会被放大，会被各种各样的图像、声音、信息所刺激，思维会特别活跃。
我还喜欢看综艺节目，首先我会把它当成一种娱乐方式，其次我觉得综艺也是我观察世界的另一种渠道。因为我想作为节目的制作方，他们肯定也思考过什么样的话题最能够吸引人的关注度，如何讨论这些话题，将问题引向什么地方。
我的性格其实有一点极端，当要去分享一个东西或者跟朋友在一起，我常常语速很快，滔滔不绝，甚至有时候思维跟不上语速，表现出一种非常开朗、活泼的人格。
张心一工作室但实际上我又极度社恐，可以做到呆在工作室几天不出门。所以，我会把工作室布置得舒服一点，目光所及之处，都是我喜欢的、有情感连接的东西。
艺术家安迪·沃霍尔曾说过：“未来大家都有15分钟的成名时间。”这句话来形容当下这个时代再贴切不过。自媒体发展起来以后，每个人都可以把自己的作品发到网上。如果作品受欢迎，它会自发生长流通下去，网红不断更新迭代。
我不认为艺术是有很高的理解门槛，或者说是艺术家的自娱自乐。如果我的作品可以给更多的人哪怕只有一点点的启发，那就已经很快乐了。